Relembrando os Windies  

Mas quem foram os Windies, conjunto musical que 50 anos depois de acabarem, ainda tem seguidores que justificam a edição de um poster que conta a história da banda?  Os desenhos dos músicos são da autoria de Jorge Rede, um artista plástico que viveu intensamente a época áurea dos Windies. A  ilustração pertence ao jovem João Vaz, que conseguiu captar a cena psicadélica da altura.

Nos anos 60/ 70, apesar da guerra, Luanda fervilhava de música, não apenas na chamada cidade do asfalto ou cidade colonial - centro administrativo, dos negócios e urbanizada - mas também nos bairros limítrofes, onde grandes farras eram animadas pelos Kiesos, Jovens do Prenda ou os mais conhecidos N´Gola Ritmos de Liceu Vieira Dias.   

Mas foi na zona urbana que a pacatez tradicional dos anos 50 mais sentiu os novos e jovens sons, principalmente a partir de meados da década de 60, com o surgir de diversos conjuntos que tocavam os chamados Ritmos Modernos. Misturavam-se sons não africanos com a cor e o cheiro bom do óleo de palma, que é capaz de reconciliar amizades…  

O rock e o pop dominavam as festas no cinema Miramar, onde Coca-Colas e Cucas acompanhavam o fascinante pôr do sol sobre a Ilha de Luanda. Todos os fins de semana o ambiente aquecia em colectividades de bairro como a Casa Branca ou o Ferrovia, onde se juntava a pequena e média burguesias, ou em clubes mais seleccionados como a Associação dos Antigos Estudantes de Coimbra em Angola, o Clube dos Amadores de Pesca ou o Clube de Caçadores, para além de espectáculos pontuais nas festas de finalistas do Liceu Salvador Correia, não esquecendo o sempre concorrido Carnaval de Luanda no Maxinde ou no Restauração. Estivesse o pesado Cacimbo ou a quente e húmida Estação das Chuvas!  As conversas fluíam, entre os ma✊is jovens num calão bem saboroso (coxe, bongosso, avilo, bazar) e umas Cucas, enquanto os cotas brindavam com catembe, cachitembe ou whisky, consoante o lugar do slow ou funk, rebita, merengue ou samba…

Embora Os Rocks de Eduardo Nascimento tenham sido o primeiro grupo de Angola a ser conhecido na “Metrópole” (o Duo Ouro Negro era “de outro campeonato”), vencendo em 1965 o 1.º Concurso Yé-Yé no Teatro Monumental em Lisboa, em disputa com os Rebeldes de Fausto Bordalo Dias, proliferavam bandas como os Brucutus, Jovens, Incógnitos, Diabólicos e tantos outros. Mas talvez sejam os Windies que mais tradição deixaram, existindo mesmo uma página de facebook, muito participada por quem se recorda desses tempos.   

Claro que para isso muito contribuiu o músico agora denominado Beto Kalulu, que em tempos idos, depois de ter passado por outros conjuntos, como os Brotolândia (também se ouvia muita música brasileira) e os Hippies, foi o grande impulsionador dos Windies. Surgidos em Maio de 1968, com Adoindo Teixeira na viola solo, Américo Augusto na viola baixo, Joaquim Correia vocalista e Jaime Mendo na viola ritmo, para além do Beto Silva, por lá passaram vários músicos que ainda agora estão no ativo, embora dos cinco fundadores apenas dois mantenham viva a sua arte. Deve sublinhar-se que o músico José Pino, que considerávamos nosso “diretor musical”, foi essencial para criar bases musicais para o lançamento da primeira formação dos Windies (os chamados fundadores), uma vez que, com muita paciência, lá ia conseguindo transmitir os seus conhecimentos musicais aos inexperientes “maçaricos”. Ele também já andava “noutro campeonato”…

O som dos Windies foi evoluindo de um pop mais beatliano para uma cena mais pesada, com novos membros devidamente integrados na onda dos anos 70. Embora o grupo tenha acabado em finais de 1974, depois de, como afirma o músico Pedro Romeiro, “revolucionarmos a música em Angola, fazendo vibrar plateias desde Malange até ao deserto do Namibe”, ainda agora, também em Angola, persiste quem não permita que essas memórias se percam.  

No princípio deste ano Beto perdeu Ana, sua companheira de sempre. Com o apoio do músico Enzo D`Áversa, amigo de há muitos anos,  prepara um novo disco, que vai dedicar à Ana e ao seu filho Tomé, que faz parte da sua banda atual, a que se juntam Marcos Vita e Quim Brandão. 

Beto Kalulu está radicado no Algarve, no Carvoeiro, deslocando-se com frequência a Angola para espetáculos e abraçar velhas amizades. Continua com o seu som característico e o seu amor pela paz, a que junta farta cabeleira Afro, complementos ideais para um som que facilmente nos transporta para as selvas e savanas africanas, assim contribuindo para que esteja incluído em diversos guias turísticos de um algarve nada marafado…  

Toda a história está contada no livro “Beto dos Windies - Beto Kalulu: da cena musical em Luanda à consagração no Algarve”. O poster poderá poderá ser gratuitamente baixado, e imprimido, na pagina https://www.facebook.com/windiesluanda/

SRI LANKAN BAILA

Wednesday  May 2nd 2018

May 1, 2018, 8:57 pm

By Dr Shihan de Silva Jayasuriya

The extraordinary love of the Portuguese for music is epitomised at El Ksar el Kabir in Morocco, 1578, where 10,000 guitars lay on the battlefield, near the dead Portuguese soldiers. The Portuguese took guns and guitars to battlefields! Is it surprising that the Portuguese presence is vibrant through Sri Lankan popular music – Baila?

Baila is a ballad in which the poetry is of paramount importance. A ballad is a short poem suitable for singing which was originally intended to accompany a dance. The etymology of ballad is ballare (late Latin/Italian) meaning ‘to dance’. Today the Portuguese word bailar meaning ‘to dance’ is used in the context of a Ball; dançar means ‘to dance’. Meanings of words change over time and place. The association of the word Baila with dance predominantly undervalues its balladic significance. Music, song and dance are closely knit forms of art and unsurprisingly, Baila refers to music, song and dance in Sri Lanka. This article concerns Baila in Sri Lanka. It does not concern Baila in South America or Europe where Latin languages prevail.

Sri Lanka’s Portuguese era is generally considered to have begun in 1505 when a ship sailing to the Maldives, captained by Lourenço de Almeida, was windswept to Galle. The encounter with the first European power is taken to have ended in 1658 with the fall of Jaffna and Mannar. Throughout Portuguese presence, the Kandyan kingdom remained under Sri Lankan rule, excepting for Batticaloa and Trincomalee which came under Portuguese domination from only the first half of the seventeenth century. The actual period of Portuguese domination in Sri Lanka was no more than 60 years. Yet, the Portuguese legacy, particularly the intangible heritage, has been remarkably durable in underscoring the 1540 prediction of the Portuguese chronicler, João de Barros:

‘The Portuguese arms and pillars placed in Africa and in Asia, and in countless isles beyond the bounds of three continents, are material objects, that would be destroyed over time but time would not destroy the religion, customs and language that the Portuguese implanted in those lands’ [my translation].

In 1974, the Swasangeetha (‘Our Songs’) programme sponsored by the Associated Motorways Group of Companies (Colombo), televised by Rupavahini in Sri Lanka, reported Batticaloa Burgher (Sri Lankans with European ancestry) music and songs as Kaffrinha and their dance as Baila. But the dances of the Batticaloa Burghers are Kaffrinha and Lancers. The confusion between Kaffrinha and Baila continues to-date. A few years later, in 1976, the Catholic Burgher Union (Batticaloa) compiled a booklet of cantigas (songs) with religious and secular themes. Batticaloa ballads are linked to Romances, one of the oldest and most important genres of Portuguese sung poetry which survives only in northern Portugal, Trás-os-Montes, and the Atlantic archipelago which belongs to Portugal, Azores, and also in northeastern Brazil. When the BBC World Routes team visited Batticaloa, in September 2011, they were astonished to hear these centuries-old musical traditions. Vivid descriptions by Dr. Lucy Duran, an ethnomusicologist at the University of London, are on the BBC website. A few Batticaloa songs are linked to Sinhala Bailas. Bailas are also sung in Tamil, English, Sri Lanka Malay and Sri Lanka Portuguese. The Sinhala Baila, Mala Giravī (‘parrot’) is sung to the tune of the Batticaloa song Terra Iste Terra (‘Land this land’) and the Sinhala baila, Mee Vadayaki Jeevithe (‘Life is a Honeycomb’) is sung as Vi Minha Amor por Baila (‘Come my Love to dance’) in Batticaloa. Sinhala lyrics of these songs are different to the Sri Lanka Portuguese versions.

Kaffrinha’s Afro-Portuguese connection is signalled through its etymon: Kaffir is an ‘African’ and nha is the Portuguese diminutive. Kaffrinha could mean ‘a bit of African’. A 19th century manuscript in the Hugh Nevill Collection (British Library, London) includes six Kaffrinhas from the Eastern Province: Singellenona (‘Sinhalese Lady’), Korra Jannethaie (‘Blush Joanita’), Bastiahna (‘Bastiana’), Chekoetie (‘Whip’) and Ama die none Frencena (‘Love of Lady Francina’) plus one untitled song grouped as "Cantiga De Purtiegese – Kaffrein – Neger Song Portigiese" (‘Songs of the Portuguese—Kaffrinha—Portuguese Negro Songs’). There are no scores, however. My translations of these songs from Sri Lanka Portuguese into Standard Portuguese and English are in the Journal of the Royal Asiatic Society (Sri Lanka) and also in my first book, Tagus to Taprobane (Tisara Prakasakayo, Sri Lanka).

C. M. Fernando, son of Sir Marcus Fernando, who graduated in Law from the University of Cambridge, was the pioneer researcher of Portuguese music in Sri Lanka. After presenting his seminal paper, in 1894, to the Royal Asiatic Society (Colombo), he accompanied, on the piano, the ‘Ceylon Portuguese’ orchestra which consisted of a banderinha (mandolin), viaule (tenor violin) and rabana (tamborine).

Titles of scores published by Fernando and titles of songs in the Nevill manuscript (nineteenth century) are similar: Singallenona (‘Sinhalese Lady’), Bastiana (‘Bastiana’), Chikothi (‘Whip’) and Coran Janita (‘Blush Joanita’). Kaffrinha’s African connection is confirmed through the titles of songs in Fernando’s paper: Velanda Mazambicu (Mozambican Town-dweller) and Caffri (African).

Fernando describes dances of the Portuguese Burghers as Chikothi and Cafferina [Kaffrinha]. A man and a woman, stand on opposite sides of a room and dance towards each other, exchanging old-fashioned courtesies when they meet in the middle of the room. The man waves a handkerchief and high steps to the beat whilst the lady lifts her long frilly skirt to manoeuvre the fast footsteps. Fernando contrasts the "Grotesque attitudes and alert movements" of the Kaffrinha with "the slow measures of the Chikothi" which call for "stately and dignified steps".

In my attempts to identify Chikothi, I made comparisons with the Goan Catholic form of music, song and dance: Mando. The Mando is a stately dance with dignified steps. I interviewed Anthony Noronha, former Conductor of the Nairobi Symphony Orchestra, when he had settled in London. Noronha drew my attention to the folk character of the Mando masterfully conveyed by starting on a minor key and modulating to a major key. At my request, Noronha scored a Mando called Surya Noketranche Porim Porzolleta (‘You Shine just like the sun and the stars’) which is published in my book – Portuguese in the East: A Cultural History of a Maritime Trading Empire (London: I B Tauris). Goan forms of music and dance – Mando, Dulpod and Dekhni - are different to Baila and Kaffrinha due to the varied durations of contact with the Portuguese and the diverse indigenous influences.

C.M. Fernando distinguishes Kaffrinha (fast and in 6/8 time - six quavers to a bar and having a "peculiar jerky movement") from Chikothi (in 3/8 time - three quavers to a bar and "slow and stately"). Fifty years before Fernando, Colonel Augustus de Butts in his book Rambles in Ceylon (1841), describes a "Caffre dance".

The dance somewhat resembled the fandango of Spain; but the resemblance, it must be confessed, was that of a caricature. Two individuals of opposite sexes gradually approach each other with an air of coquetry, making indescribable contortions and grimaces. The female slowly retires from the ardent advances of her lover, who, suiting the action to the word, endeavours to capture the fair fugitive, while he pours forth his tale of love in the most moving tropes that his eloquence can command. ‘The lady of his love’ at length abates somewhat of the air of scorn with which she at first affects to regard her impassioned swain, who, emboldened by this evidence of a favourable impression, and again alarmed at his own audacity, alternately advances towards and retreats from the object of his adoration.

This lively dance was popular with Europeans in Sri Lanka during the 19th century and by the early 20th century had filtered through to Sri Lankans who embraced western modernity. Twentieth century Kaffrinha arrangements by Norbert Rodrigo (Ceylonese Dances), Vincent Rodrigo (Ceylonese Lancers on Kaffrinha Airs and Professor Lord (Caffarina Quadrilles) consist of five movements. The well known Kaffrinha, Singale Nona (‘Sinhalese Lady’), is within the three scores. During the early 20th century Kaffrinha was danced in the fashionable Colombo suburb of Cinnamon Gardens, where all parties ended with Singale Nona. Singale Nona is today sung in Sinhala as "Yaman Selō Pra Kadanne". Kaffrinha is sparked off by cross rhythms and syncopations. Cross rhythms occur with interplay between 6/8 (six quavers to a bar) in the treble and 3/4 (three crotchets to a bar) in the bass. Syncopation involves shifting the accents to unorthodox places. Accenting the parts in-between beats or playing ‘off the beat’ drives the music and adds excitement to the performance. ‘Kaffir airs’ were published by Herr Somers, Band Master of the Ceylon Rifle Regiments, under the title After Supper Kaffir Quadrila but his scores have not been traced so far.

Contexts and descriptions of Kaffrinha vary. Novelist, Carl Muller’s vivid descriptions in Jam Fruit Tree (1993):

"… and revels they were. The band had arrived: three boys in bow ties, two fiddles and a tom-tom and Jessie Ferdinands produced a harmonica and Finny Jackson played the spoons, clickety-clack on his knees and a rollicking kaffrinja [Kaffrinha] set everybody in motion with Colontota’s uncles hitching up their sarongs and jerking around shouting ‘adi-ji adi-ji’ and the ladies holding the sides of their skirts and high-stepping to the beat".

Kaffrinha can assume a comical character. In the late 19th century, C. Don Bastian, a pioneer Sinhala playwright, introduced Kaffrinha to the theatre through the jester singing a Kaffrinha at the start of Rolina Nādagama in 1879. In the twentieth century, Ediriweera Sarachchandra, Sri Lanka’s foremost dramatist, identifies Kaffrinha as a body of music introduced by the Portuguese to Sri Lanka. Dēva Suriyasena, a pioneer of Sinhala music in the early 20th century, states that the lilting rhythm and tunes of Kaffrinha danced by Portuguese mercenaries, some of whom were Africans, fell on willing ears in the coastal areas.

Kaffrinha is also the traditional dance of the Batticaloa Burghers, calling for alert movements and accompanied by lively tunes. Typically four couples perform Kaffrinha at weddings. Marriage ceremonies are not complete until the Kaffrinha is danced. The bride and groom open the dance and are followed by the bridesmaid and best man and two further couples. Dancing continues for a few hours with only short breaks between the five movements when the musicians change mode.

The father of Alex Van Arkadie, a Burgher, was a close acquaintance of Wally Bastianz, the composer of Chorus Baila (generally known in Sri Lanka as Baila). Van Arkadie recalls Colombo’s Kaffrinha dancers of the 1950s, travelling entertainers who performed once a year, in affluent Dutch Burgher houses. Instruments played were the viola, violin, rabāna (tambourine), triangle, piano accordion and gourd rattles (maracas). The most popular item in the variety entertainment show was the Kaffrinha, performed by a Burgher couple disguised as Africans by blackening their faces right down to the neck. Fingers were encased in white hand gloves to cover their paler skin. The man wore a prominent red bow-tie which fluttered freely against his long-sleeved brightly coloured satin shirt, a long tail-coat and a black top-hat which he tipped each time he curtsied and bowed before the lady who swung her flared skirt provocatively in order to respond to his charming gestures. The woman wore a wig of raven black hair in a mass of fine curls bunched together in tassels to hang from under a neatly draped bandanna ('scarf' from the Portuguese word banda). A colourful pair of large ear-rings and a string of large beads plunged down from her neck to her heavily endowed, perhaps padded, bosom. Her taffeta blouse blended finely with her clothes but was in contrast to the man’s shirt. Her sleeves held layers of frills which dangled and danced down from her shoulders to the rhythm of the beat. The provocative swing of her hips was exacerbated by her pronounced hips, accentuated with a cushion. Her rich satin skirt was flashily decorated in polka dots all-over, or broad bands of coloured borders at the hemline, and her underskirt was lace-edged or hand-embroidered. The Kaffrinha was a feast of captivating colourful flashes, entrancing movements and jubilant sounds made to the cheers and yells of the audience.

Leopold Ludovici, a surveyor, who visited a Kaffir village in Puttalam at the end of the 19th century, mistook the music, which he calls Kaffrinha, for being a fight. Kaffrinha is loud and energetic. The surveyor and writer, R. L. Brohier, described the music in a Puttalam village called Sellan Kandel, as Kaffrinha and Chikothi. He wrote in the 20th century that the 'Kaffir-Portuguese Chikothi’ music had been absorbed into Sri Lankan popular culture, surfacing at gatherings which sought an outlet for hilarity - these were given the heterogeneous term Baila. Afro-European links of Kaffrinha and Baila are rekindling an interest in the music of Sri Lankans with African and European ancestry. But the music of the largest Afro-Sri Lankan community in Sirambiyadiya (Puttalam) is not Kaffrinha. Because their ethnonym is Kaffir (from the Arabic word qafr which means ‘non-believer’ and was used for Africans by the Arabs) their music is mistakenly assumed to be Kaffrinha. Lyrics of Manhas are mostly in Sri Lanka Portuguese, but the melodies are distinct from the Batticaloa Cantigas (songs) and Kaffrinhas.

A genre known as Vāde Baila (‘debate Baila’), musical debates and contests of wit and repartée, were a popular form of entertainment in Sri Lanka. Sumathipala Perera, a leading Vāde Baila singer, formed a society to keep this form of art alive. This tradition is similar to canto ao desafio (Challenge Song) in Portugal and Brazil. Vāde Baila, perhaps due to its theatrical nature and demanding skills, has given way to Chorus Baila. The originator of Chorus Baila, Gajanayake Mudiyanselāge Ollington Mervin Bastianz (1913-85), is better known as Wally Bastianz. A single recording with 14 of his best known songs, released in 2004 by Torana (Colombo), sing out the poetry of the exotic performer which gripped the people. The simplicity of Bastianz’s narratives and the realities that he addressed and played out with catchy rhythms, popularised Bailas. Bastianz was a brilliant lyricist, an educator and a critic. He evoked sentimental feelings of a nation whose values were distorted and strained by 450 years of western domination.

Wally Bastianz was called ‘The Exotic Ceylonese Performer’ when he featured in Colombo’s night clubs. He was a versatile musician: he played the banjo, piano, ukulele, Spanish guitar, Sri Lankan viaule and accordion. His band included Aelian Soysa, Marshall Wambeck, Anton Johns, Maxi Leonard and Morris Fernando. Bastianz sang in Sinhala, Tamil, English, Malay and Sri Lanka Portuguese, reaching out to all Sri Lankans. Listeners must understand the lyrics to fully appreciate Chorus Baila. Its value is not simply in the music. Ronald Walcott, an American musicologist, in his doctoral thesis submitted to the University of Sri Jayewardenepura (Sri Lanka), in 1978, highlights the poetic value of Baila which surpasses all else in importance. Traditionalists may be sceptical but they cannot disagree that Baila stirs Sri Lankans and as Aelian Soysa sings: "Lankavata Baila gena Wally Bastianz, Baila valin rata hollapu Baila champion" (‘Wally Bastianz, who gave Baila to Sri Lanka was the Baila champion who moved the country with Baila’) in a song dedicated to the maestro who changed the entertainment field in Sri Lanka and carved out a new identity for the Nation.

Maya Abeywickrama (2006) maps a few Bailas on to Western music - Hai hui Babi Achchige baisikel eka (Granny Babi’s Bicycle) on to a well known march, ‘Repasz Band’, composed by Charles Sweeney. Another popular Baila, associated with Moratuwa, a town from where many Baila singers originate, Pun Sanda Pāya Moratuwa Dilennā (Moratuwa is shining under the full moon) is mapped on to ‘On the Beach of Bali Bali’, a Hawaiian song. Bailas are also influenced by other types of foreign music now. Baila has become a conduit for almost every major international popular musical trend, from Minstrelsy, Hawaiian, Country-Western, Caribbean Calypso, Zairian Soukous, north Mexican Mariachi and Disco. Gerald Wickremasooriya of Sooriya Records moved Baila into the age of rock ‘n’ roll by including electric guitars, drum kits and synthesisers by. Baila has travelled overseas with the Sri Lankan diaspora. Since Bastianz, Baila has evolved through different styles sung by soloists and groups. The dynamics of Baila has strengthened its popularity as the changing tastes of generations are absorbed and played out. As Sri Lanka discovered and explored her post-independent identity, Baila became more indigenised.

The word Baila has assumed the meaning ‘song’: Vāda Baila, Kāvadi Baila, Kāpiri Baila, Paraguayan Baila, Chorus Baila, Kapiriñña (Kaffrinha) Baila and Nidahas (Independence) Baila. More importantly, Chorus Baila is confused with Vāda Baila as Wally Bastianz was a Vāda Baila singer when he composed Chorus Baila which instantaneously became popular. Chorus Baila is neither an import from Portugal nor a genre that was introduced by the Portuguese. Chorus Baila compositions were influenced by the Afro-Portuguese genre Kaffrinha and Vāda Baila. Chorus Baila signifies a new postcolonial identity, which represents the transformed Nation. Bastianz felt the pulse of the people and articulated their emotions by accentuating the heartbeat of Sri Lanka through his compositions of Chorus Baila.

Sushi

"Sushi" de Kimiko Barber:

‘(...) Entrentanto, foi aprendendo a preparar o arroz para o sushi observando o mestre, silenciosamente e à distância. Quando, por fim, foi autorizado a aproximar-se, a tarefa que lhe cabia era arrefecer o arroz quente com a ajuda de um leque. Ao fim de quase 10 anos, Takemura teve acesso finalmente ao balcão, à entrada da loja. O balcão é a zona mais importante dos bares de sushi, o local onde os mestres executam a sua arte. Por essa altura, Takemura tinha já mudado para um bar de sushi maior, em Osaka, a segunda cidade do Japão e a capital gastronómica do país, onde teve de abandonar o seu sotaque regional, de modo a não ofender os clientes. Agora, na qualidade de ajudante ou wakiita (que significa “ao lado da tábua de cortar”), Takemura era autorizado a preparar peixe para os seus superiores e a enrolar sushi para entregas ao domicílio. Foram necessários mais alguns anos para ser promovido à posição deitamae, que significa “à frente da tábua de cortar”.(...)’

Novo livro de José Brandão reúne impressões de 26 viajantes sobre Portugal e os portugueses

“Este é o Reino de Portugal” mostra como estrangeiros viam os portugueses

O investigador José Brandão afirma que os viajantes estrangeiros que visitaram Portugal entre os séculos XVII e XIX, referem-se aos portugueses como “altivos, vaidosos e impostores”.

“Esta imagem só começa a diluir-se no princípio do século XX, pois até aí, em resumo, os viajantes que nos visitaram, referiram-se aos portugueses como vaidosos, impostores, altivos e arrogantes, hipócritas, vingativos, ignorantes, velhacos, traiçoeiros, desonestos, pedinchões, inconstantes, supersticiosos, fanfarrões, preguiçosos, mas também sensuais e ciumentos”, disse.

José Brandão reuniu na obra “Este é o Reino de Portugal”, os relatos de 26 viajantes ilustres que visitaram Portugal do século XVII ao XIX, e escreveram as suas impressões, entre eles, William Beckford, Carl Israel Ruders, Hans Christian Andersen, o príncipe Felix Lichnowsky, Marianne Baille e Maria Ratazzi.

O escritor espanhol Miguel Unamuno é o único viajante referenciado no século XX, e que afirmou que os portugueses são um “povo suicida”.

Os estrangeiros “descobrem Portugal, essencialmente depois do terramoto de 1755, logo não encontrando o país nas melhores condições socioeconómicas” e “queixam-se de tudo, esquecendo o que certamente sofreram noutros países por onde andaram ou até nos seus próprios”, disse o autor.

José Brandão afirma na sua obra que “chegar a Portugal era uma façanha absolutamente corajosa”, mas no final do século XVIII foi fértil o interesse de viajantes” e já no século XIX com o desenvolvimento das políticas de Fontes Pereira de Melo, o comboio, as estradas e as pontes facilitaram a viagem, mas “alguns deles nem saíram de Lisboa e dos seus arredores”.

Em 1866, o escritor Hans Christian Andersen, por exemplo, além de Lisboa, deslocou-se a Sintra, Setúbal e Arrábida e refere-se a Portugal como o “paraíso terreal”.

A obra de José Brandão segue uma linha cronológica sendo cada período antecedido de uma contextualização político socioeconómica.

“Quando saiam de Espanha e chegavam a Portugal, todos os viajantes ao longo dos tempos sentiam que viam um mundo novo”, disse.

Entre esses viajantes que começam a fazer o "grand tour, incluindo Portugal", no século XIX, “o grupo mais numeroso é o dos autores procedentes das ilhas britânicas”.

Em declarações à Lusa, José Brandão afirmou que dos 26 viajantes estudados os que mais o impressionaram foi Maria Ratazzi, que escreveu “Portugal de Relance”, por “ser arguta e não se ter ficado apenas por Lisboa”, e J.B.F. Carrère “pela frontalidade, e por não ter papas na língua”.

Carrère visitou Portugal em 1796 e aconselhou “o conhecedor de belas-artes, o físico, o simples curioso [e] o filósofo” a não visitarem Lisboa pois não iam encontram nada “com que satisfazer a sua curiosidade ou descobrir objetos dignos do seu interesse”.

Ratazzi, que Bordalo Pinheiro caricaturou no “Álbum de Glórias”, esteve em Portugal em 1880 e refere-se aos portugueses como “indolentes”, “belos e bem feitos, mas prejudicam muito estas qualidades pelo excesso de vaidade” e em todo o país, “excetuando no Porto e nas [regiões] montanhosas, o ‘farniente’ é a suprema lei”.

José Brandão, 65 anos, publicou vários artigos entre 1983 e 1995 na imprensa, e é autor dos livros “Sidónio – Contribuição para a história do presidencialismo”, “Carbonário – O Exército secreto”, e “Portugal trágico – o regicídio”, entre outros.

Lusa

Este é o Lugar / This Must Be the Place

Não sabemos exatamente que lugar é esse, mas poderemos descobri-lo em mais de uma centena de fotografias, reunidas em 13 séries, na Galeria de Exposições Temporárias da Sede da Fundação Gulbenkian

A não perder, até 1 de Junho,  a primeira retrospetiva do fotógrafo sul-africano Pieter Hugo (Joanesburgo, 1976), que desde 2003 retrata a vida quotidiana na África do Sul. Começou por ser fotojornalista, mas porque tinha reflexos lentos não conseguia captar a notícia numa imagem de forma a que tudo ficasse contextualizado, e por isso decidiu "passar a trabalhar em revistas o que me permitiu melhorar o meu trabalho fotográfico e fazer disso o meu percurso".

São retratos que perturbam, mais que meras fotografias, onde o visitante se sente penetrado pelo olhar fixo das imagens, gentes e bichos nos mais diversos lugares: "Para os Europeus África continua a ser um continente estranho onde o mistério se mistura com o lixo, a pobreza, a superstição", pelo que tenta mostrar  a verdade de um continente que ainda não se libertou das nefastas consequências de prolongado colonialismo.

Foi com a série The Hyena & Other Men que o trabalho do sul-africano Pieter Hugo se tornou conhecido internacionalmente. As imagens surpreendentes e poderosas de um grupo de artistas itinerantes na Nigéria que posam junto dos seus animais – hienas, macacos, cobras – correram mundo.

Pieter Hugo sente-se "um branco sul-africano que influenciado pelas características do país e das suas circunstâncias", tentando perceber "o que é o pós-apartheid, o pós-Mandela e o terceiromundismo". Herdeiro das grandes tradições do Sul de África – a paisagem e o retrato –,  tem no entanto uma forma especial de se desviar do cânone. Grande parte das paisagens que retrata é catastrófica: veja-se Permanent Error, a série sobre o vasto descampado no Gana onde as empresas tecnológicas europeias despejam o seu lixo.

Com uma produção abundante, em 2012 Pieter Hugo viu o Museu de Fotografia de Haia dedicar-lhe uma exposição antológica, This Must Be the Place, agora em exibição na Gulbenkian.

Disco mais recente de João Afonso

Editado em Janeiro de 2014, Sangue Bom é o mais recente trabalho do cantor João Afonso, onde África em português viaja até Goa navegando nas palavras de Mia Couto e Jozé Agualusa.

Em entrevista à Rádio Antena1, João Afonso afirma que neste disco “há poemas introspectivos, filosóficos, como Sementes ou A dor e o tempo."

É verdade, trata-se de um disco denso e para tal muito contribuem os arranjos de Vítor Milhanas (ouça-se a constelação de sons do tema Astros), director musical que costuma trabalhar com Fausto Bordalo Dias. Denso e profundo ou não fossem todas as letras de Mia Couto e José Agualusa, que com a voz de João Afonso juntaram Portugal, Angola e Moçambique. Denso e profundo mas não maçador, são sons que nos fazem viajar, com "imagens muito fortes da diáspora portuguesa: Goa, Porto Amboim, a estrada quente… Além dos temas universais, o amor, os desamores, a Canção da Despedida onde a Aline Frazão, jovem cantora angolana, interpreta a música com uma sensualidade especial", acrescenta João Afonso.

A produção de Vitor Milhanas cria uma sonoridade múltipla que tenta acompanhar a musicalidade que as palavras dos poetas conteriam desde o início, agora transmitindo o tropicalismo das ilhas de São Tomé em Verde para Crer, depois o misticismo com cheiro a incenso em Canção de Goa (leia-se o romance Um Estranho em Goa de Agualusa), passando pelo minimalista hipnótico de Lagarto, a nostalgia do retorno de Na Grande Casa Branca...

Na canção que dá título ao álbum, hino contra o preconceito onde Mia Couto grita que "cada homem é uma raça", João Afonso volta ao seu estilo mais tradicional, como se actualizasse Venham Mais Cinco do tio Zeca, lembrando que em 2009 editou o álbum Redondo Vocábulo, onde revisitou o repertório de José Afonso.

Na citada entrevista à rádio João Afonso interpreta alguns temas do álbum apenas acompanhado com a sua guitarra, e a força das canções faz pensar que por vezes haverá instrumentos a mais e tecnologia talvez desnecessária nos arranjos de Vitor Milhanas, mas vale mesmo a pena descobrir Sangue Bom, quinto álbum de originais de João Afonso depois de Missangas (1997), Barco Voador (1999), Zanzibar (2002) onde já escrevera uma canção inspirada no romance Mar Me Quer de Mia Couto e Outra Vida